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Jan 25, 2024

Ramones und Devo: Schallreduktion als Widerstand

Ramones' Ramones nutzt Reduktion als Mittel zum Zweck, um den Rock wieder auf den Punkt zu bringen

Ramones‘ Ramones nutzt Reduktion als Mittel zum Zweck, um den Rock zu seinen Wurzeln zurückzubringen, während Devos Q: Are We Not Men? nutzt Reduktion als Selbstzweck, um den Niedergang der Gesellschaft widerzuspiegeln.

In den frühen 1970er Jahren tobte in Amerika der Vietnamkrieg weiter, als der Konservatismus die Antikriegsbemühungen, die Black Power-Bewegung oder so ziemlich alles, was ihrer Law-and-Order-Agenda im Wege stand, unterdrückte, was ironischerweise zu einem der größten Amerikas führte politische Skandale auf dem Capitol Hill, Watergate. Der Hippie-Traum der 60er Jahre wurde inoffiziell durch die Ermordung eines Konzertbesuchers durch die Motorradbande Hells Angels bei einer Rolling-Stones-Show auf dem Altamont Speedway in Tracy, Kalifornien, zerstört. In ganz Amerika litten die Menschen unter den Auswirkungen einer schwächenden Rezession, der ersten seit der Expansion nach dem Zweiten Weltkrieg. Weiße Familien flohen aus großen Zentren wie New York City. Die Folge war, dass es in weiten Teilen zu städtischem Verfall kam.

Für einen relativ kleinen Teil der Bevölkerung teilte die Musikszene ein ähnliches Schicksal; Der düstere Geist des Rock 'n' Roll – der unter anderem von Chuck Berry, Little Richard, Elvis Presley und der British Invasion weitergegeben wurde – war durch überproduzierte, formelhafte, vorgefertigte Bands voller selbstgefälliger musikalischer Arrangements ersetzt worden. Rock 'n' Roll war zu einer hoffnungslos exzessiven Kunstform geworden, die begann, sich selbst zu verschlingen.

Infolgedessen war Amerikas Jugend gelangweilt und unruhig; Eine musikalische Revolution war unvermeidlich. Im weiteren Verlauf des Jahrzehnts verschmolz mit der Zeit Mitte der späten 1970er-Jahre ein neues radikales Musikgenre namens Punk zu einigen entscheidenden Aufnahmen. Klanglich und ästhetisch war sein Ethos einfach, aber tiefgreifend: Reduktion. Zwei bahnbrechende Alben, die diese ökonomischen Prinzipien verkörpern und gemeinsame Elemente mit unterschiedlichen Ergebnissen nutzen, sind Ramones‘ Ramones und Devos Q: Are We Not Men? A: Wir sind Devo!.

Ramones – bestehend aus Joey, Johnny, Dee Dee und Tommy – sind größtenteils von der Frechheit und Reduziertheit der New York Dolls und den Stooges inspiriert und verbinden den Wunsch, den Rock'n'Roll zu retten, mit einer DIY-Ästhetik, die alle den Nachnamen Ramone annehmen – betraten im August 1974 zum ersten Mal die Bühne in einem wahllosen Club namens CBGB in der Innenstadt von New York City. Obwohl es eine Weile dauerte, ihre Talente zu entwickeln, wurde aus den Ramones schließlich eine eingespielte, kompetente und gut eingespielte Einheit. Als sie größere Menschenmengen in den Club in der Innenstadt zogen, dessen aufkeimende Szene eine neue Generation faszinierender Acts hervorbrachte, erweiterten Ramones ihre Fangemeinde über die unmittelbare Umgebung von New York City hinaus und unterschrieben schließlich bei Seymour Steins Sire Records, wo sie im April 1976 ihr gleichnamiges Debüt veröffentlichten. die erste Erklärung des amerikanischen Punk-Ethos. Es war der Schallschuss, den man auf der ganzen Welt hörte.

In direktem Gegensatz zur aufgeblähten Ästhetik des Rocks präsentiert Ramones 14 Songs mit einer Länge von knapp 30 Minuten, die das Gesicht zum Schmelzen bringen, auf das Nötigste reduziert, die rohe Energie des frühen Rock'n'Roll enthalten, aber auf den Boden gedrückt, um etwas Erfrischendes zu schaffen einzigartig. Textlich unterstützen die Songs auf „Ramones“ einen Back-to-Basic-Ethos und wimmeln von verdrehten Texten über Kinder, die aus Langeweile Klebstoff schnüffeln, Gören verprügeln, Kettensägen-Massaker und Tricks an einer sagenumwobenen Straßenecke in New York. Dee Dee Ramone, der Haupt-Songwriter der Band und ansässige Armee-Gör, hat Kriegs- und Nazi-Bilder in ihre Songs eingearbeitet und so auf subversive Weise etwas Bizarres als Zeichen des kulturellen Widerstands geschaffen. Er tat dies auch, um seine traumatische Vergangenheit zu verarbeiten und sie in eine Feier des Lebens zu integrieren.

Im Gegensatz zu einem Großteil der damaligen Popmusik, z. B. „Journey“, „Boston“ und „Foreigner“, waren die Ramones „real“ und sangen über Themen, die für sie wahr waren und in den persönlichen/sozialen Kämpfen des Alltagslebens, der Identität, der Entscheidungsfreiheit verankert waren. und Freiheit. Sogar die Wahl ihres Wortspiels verdeutlichte Trotz und Individualität; sie wollten dein Freund sein, wollten aber nicht mit dir herumlaufen; Sie wollten etwas Kleber schnüffeln, wollten aber nicht in den Keller gehen. Sogar das Cover, ein atemberaubendes Schwarz-Weiß-Foto, auf dem alle vier Mitglieder im Gang-Stil an einer mit Graffiti bemalten Wand stehen und in einheitlicher Straßenkleidung gekleidet sind – Lederjacken, zerrissene Jeans, Tennisschuhe und T-Shirts (ähnlich wie ihre Fans) – war ein Symbol der Rebellion gegen den Status quo, ein Sammelruf für unzufriedene Jugendliche, die mit der Gegenreaktion der Marginalisierung als Folge der Akzeptanz der Individualität zu kämpfen hatten.

In diesem Geist der Inklusion knüpfte Ramones eine unvergängliche Bindung zu einem Publikum, das sich mit der Enttäuschung, Scham und dem Trauma der ungelösten Familiengeschichte und sozialen Ungerechtigkeit vergangener Generationen auseinandersetzen musste. Auf diese Weise Ramones – mit seinem Low-Budget-, schnörkellosen 6.400-Dollar-Produktionsansatz, stereoseparierten, messerscharfen und stumpfen Downstreich-Gitarren- und Bassmustern, straffem, sparsamem Achtelnoten-High-Hat-Drumming, das unsicher unter der süßen, von Melodien durchtränkten Hookline liegt Mit seinen überladenen Vocals – damals alles einzigartige Eigenschaften – war er bahnbrechend auf einem musikalischen und kulturellen Weg, von dem praktisch niemand wusste, dass er existierte, und eroberte den Rock aus der Mittelmäßigkeit von Genusssucht und Kommerz zurück.

Diese Reklamation ist im gesamten Album offensichtlich, von der verstärkten Version von Chris Montez' Hit „Let's Dance“ aus dem Jahr 1962 über die „Oohs“ und „Ahs“ im Hintergrund, die „I Wanna Be Your Boyfriend“ schmücken, bis hin zu den geliehenen Zeilen „ zweite Strophe, gleich wie die erste“ – populär gemacht durch Herman Hermits‘ Lied „I'm Henry VIII, I Am“ aus dem Jahr 1965 (sowie die daraus resultierende Scheinantwort „dritte Strophe, anders als die erste“) – in „Judy Is a Punk". Das deutet auch darauf hin, dass die Ramones vor allem Spaß machten, was sich auch im Publikum widerspiegelte. Wie Sänger Joey einmal behauptete: „Die Medien und die Presse sind so steif … aber die Kinder wissen, was sie sehen wollen. Sie wollen einfach nur eine gute Zeit haben, wissen Sie?“

Ihre Art der musikalischen Strenge stärkte ihre Entscheidungsfreiheit, zog Außenseiter an und gab den Außenseitern das Gefühl, dazuzugehören und eine Band zu gründen, wenn sie wollten, etwas, das viel weniger zugängliche, aber „qualifizierte“ Künstler nicht unbedingt anstreben konnten. Ramones gelang dies in Hülle und Fülle, mit einem Debüt, das eher wie eine Greatest-Hits-Platte klang und schließlich als Weckruf für die Massen diente.

Während Ramones unwissentlich den Rock auf den Kopf stellte, erlebte eine Gruppe von Studenten der Kent State University aus Akron, Ohio, ihre eigene Ernüchterung. Sie würden angeheizt durch das Grauen der militärischen Schießereien vom 4. Mai 1970, bei denen vier unschuldige Studenten ums Leben kamen, sowie durch die Ironie, dass technologische Fortschritte, die die Zukunft des Landes prägen, tatsächlich für seinen Zustand der Regression verantwortlich seien. Einer dieser betroffenen Kunststudenten prophezeite die Plausibilität einer wilden Zukunft, die ihrer Vergangenheit ähnelte; eine „Verdummung der Bevölkerung durch rechte Politiker, Fernsehprediger und Madison Avenue … wo die Fähigkeit zu kritischem Denken und Argumentation schnell erodierte“, so der Bassist und Songwriter Gerald V. Casale.

Dieses Konzept der „De-Evolution“ würde bald auf Devo abgekürzt werden. Mit dem gleichgesinnten kreativen Mitverschwörer Mark Mothersbaugh gründeten sie eine Band, um ihre Philosophien zu vertreten und sich den gescheiterten Fortschrittsversprechen von Politikern und der Konsumkultur zu widersetzen.

Kurz darauf drehten sie unter der Regie von Chuck Statler ihren kurzen Manifestfilm „The Truth About De-Evolution“, der voller bizarrer, dystopischer Bilder und mechanisch gesättigterer Versionen von Songs ist, die auf zukünftigen Alben erscheinen würden, sowie der Einleitung von „Booji Boy“. „, eine von Mothersbaugh geschaffene und geschmückte infantile Figur, die den Rückschritt der westlichen Gesellschaft darstellt. Bald darauf begann die Gruppe mit der Aufgabe, Devo den Massen zugänglich zu machen. Bei einem Auftritt in New York City im Jahr 1977 erklärte David Bowie sie zur „Band der Zukunft“ und versprach, ihr kommendes Debütalbum zu produzieren. Aber Terminkonflikte mit seinem eigenen Album führten dazu, dass der ehemalige Roxy-Music-Keyboarder und spätere Grammy-prämierte Produzent, Experimental- und Ambient-Künstler Brian Eno die Rolle übernahm, eine scheinbar ideale Ergänzung zu Devos Eklektizismus.

Die Paarung führte zur Veröffentlichung von Q: Are We Not Men? im August 1978. A: We Are Devo!, ein eckiges, klanglich reduziertes Angebot, das sich auf andere Weise von Ramones unterscheidet. Obwohl die meisten ihrer Songs ein ähnliches musikalisches Arrangement aus Gitarren, Bass, Schlagzeug und Gesang aufweisen, mit gelegentlichen Synthesizer-Schnörkeln – eine Formel, die die Band letztendlich bei zukünftigen Aufnahmen umdrehen würde – nutzt Devo im Gegensatz zur Wand den Raum, um Spannung in seinen Songs zu erzeugen -of-sound Dringlichkeit bei Ramones gefunden. Devo wetterte gegen die Konformität und Korporatisierung des Rock'n'Roll, nahm das, was sie sahen, verwandelte es in absurdem Maße und bot es zurück – ganz so, wie es die Ramones mit Nazi-Bildern taten.

Beide Bands machten Anleihen bei der Rock-Vergangenheit und recycelten sie; Ramones verwendete Power-Akkorde, Pop-Song-Strukturen und eingängige Melodien. F: Are We Not Men? nutzte die E-Gitarre als Überbleibsel der Menschheit, mit Fäden klanglicher Sensibilität, die von Surfgitarren und Spionagefilm-Soundtracks übernommen wurden, die bei der breiten Öffentlichkeit in Ungnade gefallen waren. Während beide Alben versuchten, der Musik durch Einfachheit etwas Frisches und Aufregendes zu verleihen, unterscheiden sich ihre Missionen; Ramones nutzt Reduktion als Mittel zum Zweck, um den Rock zu seinen Wurzeln zurückzubringen. F: Sind wir keine Männer? nutzt Reduktion als Selbstzweck, um den Niedergang der Gesellschaft widerzuspiegeln.

F: Sind wir keine Männer? rühmt sich mit den Songs „Uncontrollable Urge“ und „Gut Feeling/Slap Your Mammy“, zwei nervösen Rockern, die die zwanghaften Tendenzen des Menschen zu Konsum bzw. Gewalt darstellen, während „Space Junk“ einen steifen, roboterhaften Mittelachter verkörpert, der ausdruckslose Fernsehnachrichtensprecher satirisch verkörpert, und „Praying Hands“ mit Gesang, der Befehle bellt und religiöse Führer und Fernsehevangelisten verspottet. „Too Much Paranoias“ ist eine schwerfällige mechanische Übung – teils Horrorfilm, teils Werbepause – und „Come Back Jonee“ eine „Johnny B. Goode“-Parodie, die das gebrochene Versprechen vom Tellerwäscher zum Millionär ebenso thematisiert wie das Versäumnisse früherer Regierungen.

Eines der beiden Herzstücke von Q: Are We Not Men? ist „Jocko Homo“, das Lied, das das De-Evolution-Credo am deutlichsten in einer Mischung aus seltsamen Taktarten, stotternden, pulsierenden Rhythmen verdeutlicht (mit freundlicher Genehmigung des menschlichen Metronoms Alan Myers). , aufmunternder Gesang („Sind wir keine Männer? Wir sind Devo!“), torkelnde Synthesizer-Behandlungen und Texte und Titel, die von Dr. BH Shadducks christlicher Anti-Evolutions-Publikation aus dem Jahr 1924, Jocko Homo Heavenbound, übernommen wurden. Im Wesentlichen ist „Jocko Homo“ der herrliche Klang von Dingen, die auseinanderfallen. Bei Auftritten ist es auch der Punkt, an dem sich die Band körperlich entwickelt; Vor der Pause ziehen die Mitglieder von Devo ihre typischen gelben Schutzanzüge aus, um die schlichtere Ästhetik schwarzer T-Shirts, Mini-Shorts, Ellbogen- und Knieschützer und kniehoher Socken zu zeigen.

Der andere herausragende Titel auf Q: Are We Not Men? ist ihre nahezu vollständige Demontage von „(I Can't Get No) Satisfaction“ der Rolling Stones, einem Cover, das Jagger und das Fernsehpublikum zunächst mit seinem chronischen, ruckartigen Quasi-Reggae-Rhythmus und Mothersbaughs charakteristischem stotternden Jaulen verwirrte. Nach ihrer Bearbeitung bleiben nur noch Spuren der Originalmelodie und Richards‘ charakteristischem Gitarrenriff übrig, das Mothersbaugh am Ende des Songs wie aus einer Pflicht wiederholt. Im Konzert erhält die Gitarrenlinie eine visuelle Unterstützung, indem eine Verzerrungsbox willkürlich mit Klebeband an die Telecaster des Sängers geklebt wird und Mothersbaugh sie im passenden Moment einschaltet. Es ist zugleich eine Hommage an ihre musikalischen Idole und eine trotzige Absichtserklärung. Für Casale bleibt „Satisfaction“ einer der Glanzmomente der Band und wohl eines der größten Rock-Cover.

Keine der Bands hatte unmittelbar nach ihren Debütveröffentlichungen Erfolg; Sie würden viel später in ihrer Karriere gefeiert. Gemischte Kritiken für Ramones und F: Are We Not Men? mag zu ihren relativ düsteren Chartpositionen von 111 und 78 beigetragen haben, aber ihr Publikum wusste es besser. Dass das Ziel des Punks darin bestand, die etablierte Ordnung aufzurütteln und die Jugend zu stärken, ist ein ausreichender Beweis dafür, dass beide Bands ihre jeweiligen Missionen letztendlich erfolgreich erfüllt haben. Wo Ramones Anleihen bei der Vergangenheit nahm, aber schiere Energie, Lautstärke, Satire sowie einen eklatanten Widerstand gegen etablierte musikalische Normen in reduzierender Weise einsetzte, „F: Are We Not Men?“ stellten diese Normen gekonnt in Frage, indem sie traditionelle Themen – kulturell und musikalisch – nutzten und sie reduktiv unterwanderten. Das bizarre Cover-Artwork dient als passende Darstellung dieser Themen: ein Bild eines „idealen“ Mannes aus den 1950er Jahren in einem Sporthemd und einer Freizeitmütze, überlagert von einem Golfball, alles Symbole der leeren Versprechungen des amerikanischen Traums nach dem Zweiten Weltkrieg.

In den frühen Tagen des Punk gab es viele bahnbrechende Alben, die dazu beitrugen, die Bewegung zu definieren, die als Dokumente des Widerstands galt; „Nevermind the Bollocks“ und „Here's the Sex Pistols“ von den Sex Pistols – wohl das wichtigste Album des Genres nach Ramones – behandeln Probleme aus einer aggressiven, anarchistischen Perspektive. „Cut“ von The Slits und „Germfree Adolescents“ von X Ray Spex prägten beide die Riot-Grrrl-Bewegung 15 Jahre alt und enthielt Lieder über Feminismus bzw. Anti-Konsumismus, „The Clash“ von The Clash befasst sich unter anderem mit Rasse, Klasse und Großunternehmen, „Power in the Darkness“ von Tom Robinson Band zeugt von sozialen Themen, indem es sich hauptsächlich für die Rechte von Homosexuellen einsetzt, „Stiff Little“. „Inflammable Material“ von Fingers spiegelt das düstere Leben im Nordirland der 1970er Jahre wider, voller Lieder über Gewalt und Unterdrückung durch die Polizei, und die Liste geht weiter.

In ihren jeweiligen Subgenres jedoch Ramones und Q: Are We Not Men? A: Wir sind Devo! waren zweifellos bahnbrechende Alben, wie sie die Welt vor ihrer Veröffentlichung noch nie gehört hatte; Ersteres würde die Rockmusiklandschaft völlig verändern, die Entstehung von Bewegungen und Genres wie Post-Punk, Alternative, Grunge, Riot Grrrl und Indie-Rock inspirieren und weiterhin für Individualität und kreative Risikobereitschaft eintreten; Letzteres prägte ein ganzes Subgenre des Punk und prägte New Wave, sein rechtwinkliger Absurdismus war der Anstoß für die alternativen 80er-Jahre und war Vorreiter für das Musikvideoformat.

Am wichtigsten ist, dass beide Bands und ihre jeweiligen Debüts in ihrer Einfachheit kompromisslos und kompromisslos waren und sich durch DIY-Ethos für Individualität und Selbstbestimmung einsetzten, etwas, das im schwerfälligen Mainstream-Rock der 70er Jahre fehlte. Während die Ramones mit offener Hand die Hoffnung ausdrückten – wo die Jugend persönliche Freiheit erleben konnte – verkörperte Devo in ähnlicher Weise echte Freiheit im Gegensatz zu der fabrizierten Art, wie etwa Werbekampagnen, bei denen dem Verbraucher gesagt wird, wie er sie tun soll. Das ist das Vermächtnis des Punk, das sich mit jeder Generation von Ausgestoßenen und Außenseitern weiterentwickelt, die ohne vorherige Erfahrung zur Gitarre greifen, um zu versuchen, sich anzupassen. Tatsächlich haben sowohl die Ramones als auch Devo mit ihren atemberaubenden und folgenreichen Debütplatten angedeutet, dass sie eine Subkultur schaffen erfordert eine gemeinsame Anstrengung.

Adams, Erik. „40 Jahre später sind wir keine Männer? Wir fangen gerade erst an, Devo zu bekommen“ . AV-Club. 29. September 2018.

Casale, Gerald V. „Wir ertrinken in einer dezentralen Welt: Ein offener Brief von Devo“. Noisey, VICE. 6. Dezember 2018.

Dixon, Wheeler Winston. „Die Philosophie der Ramones“. European Journal of American Culture, vol. 37, nein. 1. März 2018.

Domanick, Andrea. „Die Wahrheit über Devo, Amerikas am meisten missverstandene Band“ . Noisey, VICE. 29. August 2018.

Gaines, Donna. Warum die Ramones wichtig sind. University Press of New England. 2018.

Kinsella, Warren. Fury's Hour: Eine Art Punk-Manifest. Random House Kanada. 2005.

Padgett, Ray. „Die Geschichte hinter Devos ikonischem Cover der ‚Satisfaction‘ der Rolling Stones‘“ . Der New Yorker. 25. September 2017.